Month: January 2024

Grace

Decidí responder a la historia de Grace.

Mi investigación actual se centra en los problemas que enfrentan las mujeres mayores. Sospecho que esto es lo que me atrajo al relato de Grace. Grace relata muchos años de abuso que tuvo que soportar a manos de su esposo controlador, George. Sin embargo, ahora disfruta de una especie de tregua debido a la salud en declive de George, lo que le impide subir las escaleras y le brinda a ella un espacio seguro. El primer piso de su hogar se convirtió en el dominio de Grace, junto con el de su gato, al que George amenazó con matar si ella trataba de marcharse. Grace no muestra indicios de querer dejar a George, lo cual puede ser difícil de comprender. La historia de Grace recuerda a las mujeres de la generación de mi madre, quienes posiblemente fueron sometidas a los abusos físicos y sexuales que describe Grace y que, según el apartado 76 de la Ley de delitos serios de 2015, en la actualidad se considerarían como control coercitivo.  

Estas mujeres a menudo permanecen al lado de sus agresores. La organización de beneficencia Solace reconoce que, debido a razones generacionales, las mujeres mayores no suelen considerar que ciertas conductas, como el abuso emocional o el control financiero, sean formas de abuso doméstico, sino que las normalizan porque “siempre ha sido así”. Las expectativas culturales implicaban que quizá no buscaran empleo fuera del hogar, y sus perspectivas financieras se verían limitadas en caso de marcharse.  Solace también informa que las opciones seguras para las sobrevivientes mayores son menos y están fuera del alcance de quienes tienen movilidad restringida. Para muchas mujeres, como Grace, sencillamente les parecería demasiado complicado marcharse después de tantos años, pues su sentido de identidad estaría demasiado intrínsecamente ligado a su hogar. Durante la pandemia de Covid-19, se alentó a las personas mayores a quedarse en sus hogares, lo que las dejó más expuestas a posibles abusos y a la dificultad de buscar ayuda. Las mujeres mayores que pudieron salir de la casa se toparon con la posibilidad de contraer la enfermedad, que estadísticamente tiene una mayor probabilidad de resultar en un padecimiento grave o incluso la muerte en adultos mayores. En este relato, imagino una historia de venganza protagonizada por Grace, quien ha encontrado una fortaleza y confianza en sí misma que han crecido con el tiempo, mientras que la figura de George ha perdido su anterior amenaza y relevancia. Grace ha hecho la transición de ser una víctima a convertirse en una superviviente.

Grace

I have chosen to respond to Grace’s story.  

My current research focuses on issues relating to older women, and I suspect that this is the reason why I have been drawn to Grace’s account. Grace outlines the many years of abuse she has endured at the hands of her controlling husband George; but she is currently enjoying some respite due to George’s failing health which prevents him from climbing stairs, his decline now affording her a safe space. The first floor of their home has become Grace’s domain, along with her cat which George had threatened to kill should she try to leave. Grace doesn’t indicate that she intends to leave George and this is perhaps difficult to comprehend. Grace’s story recalls the women of my mother’s generation, who may have been subject to the physical and sexual abuse which Grace describes, and (under section 76 of the Serious Crime Act 2015) would today be recognised as coercive control. 

These women would often remain with their abusers. The charity Solace recognises that due to generational reasons older women may not identify behaviours such as emotional abuse or financial control as domestic abuse but would see it as normalised behaviour as ‘this is the way it has always been’. Social and cultural expectations meant that they may not have sought employment outside of the home and would have had limited financial prospects should they have left. Solace also reports that there are reduced safe options for older survivors as many refuges are inaccessible to those with mobility needs. Many like Grace would simply find it too much of a wrench to leave after so many years, as their sense of identity would be intrinsically wrapped up in their home. During the Covid -19 pandemic older people were asked to remain in their homes leaving individuals more open to abuse and unable to seek help. Older women who were able to leave the house faced the possibility of contracting the disease for whom statistically the likelihood of serious illness or death was greater should they become infected. Grace is making the best of her situation; George is a now much-diminished figure and is no longer the threat he once was. I have imagined Grace here, performing vengeance; her strength and confidence has grown as George’s has waned, Grace has made the transition from victim to survivor. 

Acerca de la artista

Vicki Painting es investigadora de posgrado en la Universidad de Brighton. Su investigación práctica es de naturaleza transdisciplinaria y explora el concepto de la cuarta edad. A través de un estudio de caso singular, examina la experiencia vivida por su madre, quien padece este síndrome. Su papel como hija, cuidadora informal e investigadora desempeña un rol central en el proyecto. Se formó una “alianza autoetnográfica” entre madre e hija como parte de esta metodología en desarrollo. Este enfoque crítico busca incorporar narrativas visuales evocadoras que permitan que sus roles combinados funcionen de manera cohesiva. Juntas emplean estrategias para navegar y subvertir el impacto emocional impuesto por la infraestructura de cuidados en los individuos. El proyecto se enmarca conceptualmente dentro del realismo mágico, que es una forma en que los “vulnerables y marginalizados desafían las perspectivas de quienes tienen autoridad sobre ellos”. (Faris, 2004).  Se investigan temas como los cuidados, el luto anticipado y la naturaleza no asimilada del trauma mediante dispositivos como la mezcla de discursos, la disrupción temporal y la incorporación de lo sobrenatural. Esta obra se presentará en una exposición individual que tendrá lugar en noviembre de 2023 en la galería Solaris en St Leonards en Sea.  

About the artist

Vicki Painting is a post graduate researcher at The University of Brighton. Her practice- based research is transdisciplinary and explores the concept of the fourth age. She employs a single case study to examine her mother’s lived experience of this syndrome. Her positionality as daughter/informal carer/researcher is central to the project.  An ‘autoethnographic alliance’ has been formed between mother and daughter; this evolving methodology uses a critical approach to incorporate evocative visual storytelling which makes space for her combined roles to function cohesively. Together they employ strategies which help to navigate and subvert the emotional impact which the care infrastructure places upon the individual.  The project is sited within the conceptual framework of magical realism as a mode for the “vulnerable and marginalised to challenge the viewpoints of those who have authority over them” (Faris, 2004). Themes of care, anticipatory grief and the unassimilated nature of trauma are investigated using devices such as the mixing of discourses, temporal disruption and the incorporation of the supernatural.  The work will feature in an upcoming solo exhibition in November 2023 at Solaris gallery St Leonards on Sea.  

The Tea Party [La tertulia del té]

Vanessa Marr bordó un mantel antiguo y lo extendió para compartir un té con un pastelillo, creando un escenario doméstico familiar subvertido para contar las historias de aquellos quienes han sufrido la violencia de género. Su método de cosido a mano hace eco del legado bordado del desempoderamiento femenino (Parker, 1984) y de las voces de protesta femenina a través del bordado en tiempos recientes (Greer, 2014), todo enmarcado en una escena cotidiana donde se les da voz a estas. La mesa está dispuesta con bordados que representan la parafernalia típica de la hora del té, incluyendo pastelillos y vajilla, con algunas piezas derramadas o rotas para simbolizar la violencia. Citas directas de las mujeres que fueron entrevistadas se dispersan en torno a la vajilla, dentro de un contexto que es tanto seguro como impactante. Esta obra también se inspira en la famosa obra de Judi Chicago, Dinner Party [Cena tertulia] (1979), que presenta una mesa puesta en honor de los logros de mujeres célebres. Al brindarles una silla a las participantes de este proyecto, Marr ha empoderado a cada una de ellas, otorgándoles el control sobre sus narrativas personales. 

Roszita Parker, The Subversive Stitch (Tauris & Co. Ltd, 1984). 

Betsy Greer, Craftivism: The Art and Craft of Activism (Arsenal Pulp Press, 2014). 

The Tea Party

Vanessa Marr has embroidered a vintage tablecloth, laid out for tea and cake, as a familiar domestic landscape subverted to tell the stories of those who have experienced gender-based violence. Her method of hand-stitch references the embroidered legacy of female disempowerment (Parker, 1984), and more recently women’s voices of protest through stitch (Greer, 2014), within a commonplace occasion where stories are often told. The table settings include embroidered drawings of the typical teatime paraphernalia of crockery and cake, some of which are tipped over or broken to suggest violence. Direct quotes from the women who were interviewed for this project meander around the crockery, in a context that is at once both safe and shocking. This work also sits within the context of Judy Chicago’s famous Dinner Party (1979), which set a table for famous women to highlight their achievements. By giving the project participants a seat at her table, Marr has empowered each woman, placing them in control of their personal narratives. 

Roszita Parker, The Subversive Stitch (Tauris & Co. Ltd, 1984). 

Betsy Greer, Craftivism: The Art and Craft of Activism (Arsenal Pulp Press, 2014). 

Acerca de la artista

Vanessa Marr es una artista y académica radicada en Sussex Oriental, Inglaterra. Es miembro de la Real Sociedad de las Artes (RSA por sus siglas en inglés) y actualmente es profesora principal y encargada de curso en la Universidad de Brighton. Su trabajo se fundamenta en la teoría del diseño visual y en un proceso de enfoque intuitivo y físico, que explora principalmente mediante el bordado a mano y la escritura creativa. Se siente atraída por la vestimenta como un medio que comprende el legado del denominado “trabajo de las mujeres” y su potencial subversivo y activismo silencioso. Vanessa ha publicado internacionalmente en torno al tema de la relación de la mujer con lo doméstico, la autoetnografía y el dibujo como práctica de investigación creativa. Participa con regularidad en proyectos de investigación colaborativos y creativos, y nunca deja de aprender, crear y escribir.

About the artist

Vanessa Marr is an artist and academic based in East Sussex, England. She is a Fellow of the Royal Society of Arts (RSA) and is currently Principal Lecturer and Course Leader at the University of Brighton. Her work is underpinned by visual design-theory and process that embraces an intuitive and physical approach, which she explores predominantly through hand-stitch and creative writing. She is drawn to cloth as a medium that holds the legacy of so-called women’s work and its potential for subversion and quiet activism. Vanessa has published internationally on the theme of women’s relationship with domesticity, autoethnography and drawing as creative research practice. She regularly participates in collaborative, creative and research projects, and never stops learning, making and writing.  

Thin Sheet [La delgada cortina]

Thin Sheet [La delgada cortina] es un relato familiar escrito y actuado que explora las experiencias interconectadas de violencia y acoso sexual experimentadas por hombres y mujeres. Se adentra en la dinámica de una relación madre-hijo, planteando interrogantes sobre cómo los sobrevivientes masculinos y femeninos de la violencia sexual pueden forjar relaciones de apoyo y comprensión en respuesta a la violencia perpetrada por los hombres. Además, es una conmovedora carta de amor de un hijo a su madre.

Thin Sheet

Thin Sheet is a written and performed piece of family history. It is an exploration of men’s and women’s connected experiences of sexual harassment and violence through the prism of a mother-son relationship, and asks questions about how male and female survivors of sexual violence can build relationships of support and understanding in response to male perpetrated violence. It is also a love letter from a son to his mother. 

Acerca del artista

Tanaka Mhishi es un escritor y actor que confronta los problemas sociales intersectoriales a través de la narrativa. Su obra sobre la problemática relacionada a la masculinidad y el trauma ha llegado a la pantalla mediante la BBC y a los escenarios nacionales, incluyendo la nominada a los OFFIE, Boy Don’t [Los chicos no]. También ha colaborado con periodistas, universidades, organizaciones de beneficencia y compañías de todo el mundo.  Tanaka es un administrador de SurvivorsUK, una beneficencia que brinda apoyo a los sobrevivientes masculinos y no binarios de la violencia sexual en Londres y en todo el Reino Unido. Su primer libro, Sons and Others: On Loving Male Survivors [Los hijos y los demás: de los amorosos sobrevivientes masculinos], ofrece una nueva perspectiva respecto a los sobrevivientes de la violencia sexual en su rol de padres, esposos, hijos y amigos. Se publicó a finales de 2022 por 404Ink. 

About the artist

Tanaka Mhishi is a writer and performer who uses storytelling to confront social issues across sectors. His work with issues surrounding masculinity and trauma have been produced on screen by the BBC and on stages nationwide, including the OFFIE-nominated Boys Don’t, and he has worked with journalists, universities, charities and companies internationally.  Tanaka is a trustee for SurvivorsUK, a charity supporting male and non-binary survivors of sexual violence in London and across the UK. His first book, Sons and Others: On Loving Male Survivors, is a new look at male survivors of sexual violence as fathers, husbands, sons and friends. It was published in late 2022 by 404Ink. 

Paisajes de testimonio

Estos trabajos reconfiguran la/s parte/s cuerpo/s femenino/s como paisajes y buscan crear un testimonio visual de las historias narradas por las participantes/narradoras en el proyecto ‘Lockdown GBV Stories’. En todas las historias que leo como puntos de referencia, el El cuerpo femenino como lugar de invasiones sexuales es un tema recurrente. Teniendo en cuenta este aspecto, desarrollé formas visuales: la vagina, el torso y el buitre para construir un viaje emblemático reimaginado hacia el trauma de género. No hace falta decir que la experiencia corporal de la violación sexual tiene sus raíces en los órganos y partes del cuerpo. Lo que inspiró el núcleo de mi imaginación es la historia de Jasmine y su afirmación: “Me sentí como si una mujer saliera de casa como si los hombres fueran bastante ‘buitres'”. Creo que esta frase resonó con el sentimiento de vulnerabilidad del que hablaban todas las historias. Para mí significó cultivar al buitre como protagonista visual de las narrativas de miedo y violaciones corporales. El buitre es el depredador sexual, una metáfora de las tendencias hedonistas humanas, el modelador de ansiedades y de violaciones sexuales. Mis respuestas visuales se han desarrollado a partir de los estados emocionales de experiencias encarnadas antes mencionados y son una imaginación acumulativa de mujeres emocionalmente perturbadas y/o abusadas sexualmente.

Landscapes of Testimony

These works reconfigure the female body /part/s as landscapes and seek to create a visual testimony of the stories narrated by the participants / story tellers in the project ‘Lockdown GBV Stories’.In all the stories I read as points of reference, the female body as the site of sexual invasions is a recurring theme. Considering this aspect I developed visual forms- the vagina, the torso & the vulture to construct a re-imagined emblematic voyage into gendered trauma. Needless to say that the bodily experience of sexual violation is rooted in the organs and the body parts . What inspired the core of my imagination is the story by Jasmine , and her statement “I felt just as a woman leaving the house like men were quite ‘vulturey’”. I think this sentence resonated with the feeling of vulnerability which all the stories talked about. For me it meant cultivating the vulture as the visual protagonist of the narratives of fear and bodily violations. The vulture is the sexual predator, a metaphor for human hedonistic tendencies, the shaper of anxieties and of sexual violation. My visual responses have developed from the above mentioned emotional states of embodied experiences and are a cumulative imagination of the emotionally disturbed and / or sexually abused women.

Acerca de la artista

Richika Wason Singh es una artista visual, educadora del arte e investigadora independiente radicada en Delhi, India. Es profesora invitada en la Universidad de Ashoka. En 2016, Ruchika fundó el proyecto A.M.M.A.A.: The Archive for Mapping Mother Artists in Asia [Archivo para mapear madres artistas en Asia (A.M.M.A.A., por sus siglas en inglés)].  La práctica artística continua de Ruchika se centra en el entorno desde la perspectiva del asentamiento humano. Los escritos de Ruchika se han publicado en Demeter Press (Canada), Routledge Publishers (Reino Unido) e Intellect Books (Reino Unido), entre otros. Vive y trabaja en Delhi.  

Sus participaciones selectas recientes están en World Art en Osaka’, Art Stage Osaka, curada por Mizuki Endo (2023); Diffuso, curado por  Vincenzo Sanfo, Museo MIDA, Italia (2023); 

Matrix, curada por Monica Jain, Art Centrix Space, New Delhi (2023); Feria India del Arte, Booth Art Centrix Space, New Delhi (2023); Asia Triennial Manchester 2021, curado por  

Alnoor Mitha, Biblioteca de poesía de Manchester, Universidad Metropolitana de Manchester, Reino Unido.  (2021); Open Books Online en colaboración con el artista galés Aidan Myers (2021), Buka  

Buku curado por Lienne Loy, The Godown Art Centre, Kuala Lumpur, Malaysia  (2021); International SUMUK Art Talk + Residencia Artística de Jeonnam International  SUMUK Biennale, Sinan, Corea del Sur (2021); ‘The White Distance’ [La distancia blanca], Mes de Práctica Artística (MAP, en inglés,  Programa de residencia artística), The Heritage Space, Hanoi, Vietnam (2021); How to  be Together [Como estar juntos] residencia por Galit Criden, en la Biblioteca de arte de las mujeres, Universidad de  Goldsmiths, Londres, Reino Unido. (2021) y Proyecto colaborativo -The Book of Collective Healing [El libro de la sanación colectiva] con Daniel Rode, Ryusuke Ito y Katja Jug en la exposición The White Distance [La distancia blanca] en el UNION HALL, Hanoi, Vietnam (2021). 

About the artist

Ruchika Wason Singh is a visual artist, art educator and independent researcher based in Delhi, India. She is a Visiting Faculty at Ashoka University. In 2016, Ruchika founded the project A.M.M.A.A. -The Archive for Mapping Mother Artists in Asia.  Ruchika’s ongoing artistic practice focuses on environment through the prism of human habitation. Ruchika’s writings have been published in Demeter Press ( Canada),  Routledge Publishers (U.K.) and Intellect Books ( U.K.) amongst others. She lives and works in Delhi.  

Selected recent participations include At ‘World Art Osaka’ ,Art Stage Osaka  curated by Mizuki Endo (2023); Diffuso curated by  Vincenzo Sanfo, MIDA Museum,Italy (2023); Matrix curated by Monica Jain, Art Centrix Space, New Delhi (2023); India Art Fair, Booth Art Centrix Space, New Delhi (2023); Asia Triennial Manchester 2021 curated by  Alnoor Mitha, Manchester Poetry Library, Manchester Metropolitan University ,U.K.  (2021); Open Books Online in collaboration with Welsh artist Aidan Myers (2021), Buka  Buku curated by Lienne Loy, The Godown Art Centre, Kuala Lumpur, Malaysia  (2021);International SUMUK Art Talk + Artist Residency of the Jeonnam International  SUMUK Biennale,Sinan, South Korea (2021);‘The White Distance’, Month of Arts Practice (MAP Artist Residency Programme), The Heritage Space, Hanoi, Vietnam (2021); How to  be Together residency by Galit Criden, at the Women’s Art Library, University of  Goldsmiths, London, UK (2021) and Collaborative Project -The Book of Collective Healing with Daniel Rode, Ryusuke Ito and Katja Jug at The White Distance exhibition at UNION HALL, Hanoi, Vietnam (2021).  

Outsider [Forastero]

Lo que más me sorprendió de la compilación original de las experiencias de mujeres en este proyecto fue la similitud de tantos detalles en cada una de ellas, y cómo se asemejan a muchas de mis propias experiencias personales también. Al leerlas, tomé plena consciencia de lo normalizada que sigue siendo esta actitud masculina, deshumanizante y agresiva, de sentirse con derecho sobre el cuerpo femenino, y de lo frustrante e injusto que resulta el hecho de que, aun siendo víctimas de tales situaciones, los más probable es que tengamos que sonreír (por miedo a que se agrave la violencia), apaciguar, disculparnos y pedir perdón para zafarnos de ellas. Para el hombre que se comporta de esa manera en la calle, tal encuentro podría resultar natural, insignificativo y casual. Para la mujer expuesta a esto, es el recordatorio más reciente, dentro de una serie vitalicia de recordatorios, de que su cuerpo no le pertenece, de que es propiedad pública, algo negociable. La sensación de impotencia, el sentimiento de que los límites de tu vida se ven reducidos, la consciencia humillante de saber que, sin importar qué hagas, nada logrará marcar la diferencia, esos fueron los aspectos que quería destacar en Outsider [Forastero], que recopila detalles de varios recuentos literales de las víctimas y los transforma en una narrativa más amplia y detallada que, espero, les devolverá la humanidad a las víctimas de la agresión sexual masculina.

Outsider

What struck me most about the original compilation of women’s experiences in this project was how similar so many of the details were to each other, and how similar to many of my own past experiences too. Reading them, I became keenly aware of how normalised this dehumanising aggressive male entitlement to the female body remains – and of how frustrating and unjust it is that, even as we are the victims of these situations, so are we most likely, out of a fear of escalating violence, to smile, placate, excuse and apologise our way out of them. To the man on the street behaving in this way, such an exchange might be a thoughtless one off, a casual and insignificant encounter. To the woman subjected to it, it is the latest in a lifetime’s set of reminders that her body is not her own, it is public property; something to be negotiated. The sense of powerlessness, the feeling of having the limits of your life reduced, the humiliating knowledge that nothing you do will make a difference – these were the aspects I wanted to emphasise in ‘Outsider’, which blends details from several verbatim accounts into a broader and more detailed narrative in order, I hope, to rehumanise the victims of male sexual aggression.  

Acerca de la artista

La Dra. Rosy Carrick es escritora y actriz originaria de Brighton. En 2018, su obra Passionate Machine [La máquina apasionada] fue galardonada con el Premio a la Mejor obra nueva y Mejor diseño en el festival Brighton Fringe, así como el Premio The Infallibes en Excelencia teatral en el festival Edinburgh Fringe. El espectáculo le dio la vuelta al mundo durante todo el 2019. En el 2022, su segunda obra, aclamada por la crítica, Musclebound [Musculoso] se estrenó en Asembly Roxy como parte del festival Edinburgh Fringe, y recorrerá el Reino Unido en el 2024.  Rosy posee un doctorado en la poesía rusa revolucionaria de Vladimir Mayakovsky y ha publicado dos libros de su obra en traducción: Volodya (Enitharmon, 2015) y Vladimir Ilych Lenin (Smokestack, 2017). En la actualidad se encuentra trabajando en una nueva colección de la poesía para niños inédita de Mayakovsky, que se publicará con The 87 Press en 2025.  

Rosy es la anfitriona del escenario de Poetry and Words (Poesía y palabras) en el Festival de Galstonbury. Su colección inicial de poesía, Chokey, está disponible en Burning Eye Books. 

About the artist

Dr Rosy Carrick is a writer and performer from Brighton.  In 2018, her play Passionate Machine won the awards for Best New Play and Best Design at Brighton Fringe, and The Infallibles Award for Theatrical Excellence at Edinburgh Fringe. The show toured internationally throughout 2019. In 2022, her critically acclaimed second play Musclebound premiered at Assembly Roxy as part of Edinburgh Fringe, and will tour the UK in 2024.  Rosy has a PhD on the poetry of the Russian revolutionary poet Vladimir Mayakovsky, and has released two books of his work in translation: Volodya (Enitharmon, 2015) and Vladimir Ilyich Lenin (Smokestack, 2017). She is currently working on a new collection of Mayakovsky’s never-before-translated poetry for children, due for release with The 87 Press in 2025.  

Rosy is host of the Poetry and Words stage at Glastonbury Festival. Her own debut poetry collection Chokey is available from Burning Eye Books. 

Palabras para sanar, poner el cuerpo en palabras

Instalación performática que se activa con la presencia de la autora en diálogo con el público. La acción consiste en invitar al público a seleccionar palabras centrales de las obras expuestas o conceptos o frases que le hayan provocado cada una de las piezas y/o las historias que son parte de esta exposición e inducir a les espectadores a escribirlas en una cinta roja con el uso de una máquina de escribir. La poética de la acción y la pieza evoca un acto de escritura para sanar, en sí trae consigo al listón rojo y al acto de la escritura como una fusión significante de ambas. 

Palabras para sanar, poner el cuerpo en palabras (Healing words, putting the body into words)

Performance art that is triggered by the author engaging in dialogue with the public. This involves asking the public to select key words from the works exhibited, or concepts and phrases that each of the works and/or stories included in this exhibition evoke, getting spectators to write them on a red ribbon using a typewriter. The poetic nature of the action and the work of art evoke an act of writing that heals, combining the red ribbon and the act of writing as a meaningful fusion. 

Sobre la artista

Historiadora, curadora y artivista performancera feminista. Ha escrito, coordinado y editado libros, colecciones y artículos en revistas sobre estudios culturales, el papel social y cultural de las mujeres y referente a historia cultural de las mujeres, arte, géneros y feminismos. Sus últimos libros son Belén de Sárraga. Crónica de un torbellino libertario por América Latina (2021) y Entre lo sagrado y lo profano se tejen rebeldías. Arte feminista latinoamericano (2015). Ha sido parte de varios colectivos artivistas feministas en Chile y México. Actualmente es titular de la Cátedra Rosario Castellanos de Arte y Género, Universidad Nacional Autónoma de México.

About the artist

Historian, curator, and feminist performance artivist. She has written, coordinated and edited books, collections and journal articles on cultural studies, the social and cultural role of women and women’s cultural history, art, gender, and feminism. Her latest books include Belén de Sárraga. Crónica de un torbellino libertario por América Latina (2021) and Entre lo sagrado y lo profano se tejen rebeldías. Arte feminista latinoamericano (2015). She has participated in several feminist artivist collectives in Chile and Mexico. She is currently a tenured Professor of the Rosario Castellanos de Arte y Género faculty, at Mexico’s Universidad Nacional Autónoma.